Werke klassischer Musik

Produktbeschreibung

3 TENÖRE IM KONZERT JULI 1990

Ein schönes Schnäppchen! 3 Weltklasse Tenöre zum moderaten Preis!

5 von 5 Punkten

Recommendation: für ca. 9,00¬ ein schönes Schnäppchen. Gute Musik, exzellente Sänger, was wollen Sie mehr!?

Living in Oman/ Arabia, working in Abu Dhabi & Dubai/ U.A. Emirates and travelling for business reasons all over the Gulf region and the Middle East I like to discuss with my Arabian friends and customers about the world most famous opera singers and most popular popmusic singers of both cultures - the Western (European & North American) and the Oriental culture.

We enjoy to listen to the best opera singers in Europe and in the Middle East. I was astonished to find CDs with music of Carreras, Domingo and Pavarotti in the homes of my Arabian friends - no wonder, many of them studied in their youth in the U.S. or in U.K.! My friends in Arabia deeply admire and truly appreciate CARRERAS, DOMINGO and PAVAROTTI !

LUCIANO PAVAROTTI received the Grammy for Best Classical Vocal Performance five times since 1978, in addition to that association's Living Legend Award, and has sung 373 performances at the Met since his debut there in 1968.

Some of the other numerous prizes he's been presented with throughout his career include the Commendatore Cross and Grand Official Cross for services to the Italian Republic; Officer of the Legion d'Honneur; NARAS Musicares Person of the Year; and Kammersanger (presented by the Austrian Minister of Culture). Pavarotti has also been the recipient of the annual Kennedy Center Honors Award "for the unique and extremely valuable contributions made to the cultural life of the USA."

In recognition of his effort to make the world a better place, the Maestro's been presented the esteemed Nansen Award from the United Nations High Commission for Refugees; the prize acknowledges that Pavarotti has helped raise more funds for the UN refugee agency than any other private individual. The tenor has also been appointed a UN Messenger for Peace by United Nations Secretary General Kofi Annan.

Biography
Luciano Pavarotti was born in Modena, Italy, on October 12, 1935. As a young boy, soccer was his favorite pastime and he became known locally as a member of his town's team. His mother, Adele, who worked in a tobacco factory, and father, Fernando, a baker, instilled a love for music and singing in young Luciano. Fernando was himself a talented amateur tenor, and brought his son along to sing in Modena's Corale Rossi. Pavarotti's enthusiasm shifted from football to opera when the chorus took first prize in an international competition in Wales.

Despite their son's obvious enthusiasm and talent for singing, the Pavarotti parents made sure he had another career to fall back on. Pavarotti studied to become a primary school teacher and later an insurance salesman. He did well and enjoyed both of these professions, but by this point nothing could quell his burning desire to make it as a professional tenor.

luciano pavarotti in la boheme

Pavarotti made his Italian debut in April 1961. He appeared as Rodolfo in La Boheme, in Reggio Emilia. He soon began performing in productions all across Western Europe, and made his London debut in 1963. It was there that he also made his international television debut, appearing on Sunday Night at the London Palladium. His American debut came in a Miami production of Lucia di Lammermoor in February 1965. This also marked the beginning of a legendary partnership with diva Joan Sutherland.

Subsequent debuts in San Francisco and New York City helped build his reputation as one of the most promising tenors of his generation. He made his first of many appearances at New York's Metropolitan Opera in 1968. What would come to be known as the Pavarotti phenomenon began following a production of La Fille du Regiment at the Met in February of 1972. The tenor sang nine high Cs effortlessly, inciting the New York audience to an ecstatic ovation.

His stature in the world of opera and classical music continued to grow over the next few years. His appearance in the debut Live from the Met performance in March 1977 (where he reprised his role in La Boheme) attracted one of the largest audiences ever for a televised opera event.

luciano pavarotti at the grammys

Pavarotti received his first of five Grammys for Best Classical Vocal Soloist Performance in 1978. In 1980, the Maestro had his first American hit record with an album of non-classical pieces. O Sole Mio -- Favorite Neapolitan Songs achieved gold-selling status and cracked Billboard's Top 100 album chart. He followed this up with a double Greatest Hits collection, which did equally well stateside.

In 1982, Pavarotti made the big leap from the concert stage to the silver screen. He starred as a world-famous tenor who romances a throat specialist as he prepares for his return to the Metropolitan Opera. Yes, Giorgio was directed by Academy Award winner Franklin J. Schaffner, but failed to pick up any awards or much of an audience.

1986 saw the Maestro starring in the made-for-TV film version of Puccini's classic opera, La Boheme, filmed in China at Beijing's Tianqiao Theater. In 1988, he re-teamed with opera star Joan Sutherland in Maria Stuarda, in the made-for-TV adaptation of Donizetti's classic tragedy about Mary, Queen of Scots. That same year, Distant Harmony -- Pavarotti in China was released, which chronicled the tenor's visits to opera houses, master classrooms and schoolrooms in China.

luciano pavarotti & the three tenors

Pavarotti's fame and popularity increased immensely during the 1990s. He made his debut with Placido Domingo and Jose Carreras -- collectively known as the Three Tenors -- in Rome, during World Cup 1990. This teaming of three of the greatest living tenors on the planet helped make Pavarotti and company household names.

In 1992, the big man with the big heart inaugurated his global relief initiative known as Pavarotti & Friends: special concert events that raise money for victims of war and violence. His audiences grew bigger, as he sang before more than a half million people in New York's Central Park in 1993, and millions more worldwide tuned in on their television sets. The Three Tenors released a self-titled album in 1994, which shot to the top of the charts and sold in the millions the world over. The album made the Top 5 on Billboard's pop album charts, sandwiched between Green Day and the Forrest Gump soundtrack.

luciano pavarotti and marriage

Pavarotti's personal life underwent a major upheaval during the mid-'90s, after he was photographed in compromising positions with his personal secretary, Nicoletta Mantovani, while on holiday together in Barbados. The affair led to the breakdown of his marriage to his wife of 35 years, Adua Veroni, who was also his business manager. He has three daughters with Adua -- Lorenza, born 1962, Cristina, born 1964, and Giuliana, born 1967. Nicoletta Mantovani, half his age, has been with him since.

The disclosure of the Mantovani affair created a bit of a scandal in Catholic Italy. The Maestro was convicted of tax evasion in 1999, and agreed to repay the Italian government over $11 million in back taxes and penalties. He was eventually cleared of all charges in 2001. Despite his personal problems, Pavarotti was presented with the World Social Award in 2001, for his humanitarian and charitable work.

luciano pavarotti at the world cup

In June 2001, the Three Tenors performed in Beijing's Forbidden City, as part of the Chinese capital's bid to host the 2008 Olympic Games. Pavarotti performed an impromptu duet of "O Sole Mio" with Chinese president Jiang Zemin, when the pair met after the concert. The famous tenors reunited once again for a concert at Yokohama Arena, Japan at World Cup 2002. The reunion coincided with the release of The Best of the Three Tenors in June.

Pavarotti, who became a proud grandfather in April 2002, became a father for the fourth time when Mantovani gave birth prematurely to daughter Alice in January 2003. Sadly, a male twin was born dead following complications. Ti Adoro, released in September 2003 on Decca, became his first solo studio album in 15 years. The collection of all new songs was also Pavarotti's first pop album, and quickly became a best seller on the classical charts.

luciano pavarotti and u2

On December 13, 2003, Pavarotti married Mantovani in his Italian hometown. Guests at the star-studded ceremony included Donatella Versace, Sting and Bono, and his family, while Andrea Bocelli sang "Ave Maria." He made his final appearances at the Metropolitan Opera in New York in March 2004, in a series of three sold-out performances of Tosca. In October, Herbert Breslin, Pavarotti's former manager, press agent and confidant of some 35 years, published The King & I: The Uncensored Tale of Luciano Pavarotti's Rise to Fame, a "warts-and-all expos" of the great tenor.

In January 2005, Pavarotti reunited with U2 for the B-side of their single "Sometimes You Can't Make It On Your Own." And in February 2006, he sang at the Winter Olympics Opening Ceremony in Turin, Italy, for which he received the longest standing ovation of the night.
luciano pavarotti's death
In July 2006, Pavarotti was diagnosed with pancreatic cancer and underwent emergency surgery. He was reported as doing well, but still canceled a host of tour dates.

In September 2007, after a long and painful battle with pancreatic cancer, Luciano Pavarotti died in his birthplace of Modena, Italy, at the age of 71.

Endlich auch für ýSpachunbegabteý !

4 von 5 Punkten
Endlich gibt es eine solche Cd auch für „Spachunbegabte", nämlich solche, die der (zwar sehr schönen, aber auch sehr schweren) italienischen Sprache nicht mächtig sind. Das Booklet ist nämlich wirklich ganz hervorragend gemacht. Dort findet man Bilder vom konzert in Rom, wie auch Bilder der drei in einer etwas privateren Atmosphäre. Aber vor allem gibt es eben auch die Texte: diese sind zweidsprachig abgedruckt, so daß man den Lieblingsrefrain vielleicht doch schon so langsam versteht. Außerdem erhält man so auch einen Eindruck von der Schönheit der Worte, nicht nur der Töne! Ein schöner erster Einstieg in diese Art von Musik! (Dies ist eine Amazon.de an der Uni-Studentenrezension.)

Musikgeschichte erleben!

5 von 5 Punkten
Zuvor noch nie dagewesen. Die großen drei Tenöre unserer Zeit vereint vor der historischen Kulisse der Terme di Caracalla in Rom. Es war ein lauer Sommerabend, an dem dieses Konzert anlässlich der Fußball WM in Italien stattfand. Dieses Konzert war und ist, aus kommerzieller Sicht, aber mindestens genauso aus musikalischer Sicht, ein voller Erfolg. Es ist ein wahres Vergnügen die Stimmen von Pavarotti, Domingo und Carreras zu hören. Sie singen die bekannten Arien, wie "Recondita Armonia", "E lucevan le stelle" oder "Nessun Dorma", und zum Schluss ein Medley von berühmten Liedern, wie "Memory", "Tonight", "Mattinata", "La Vie en rose", "Wien, Wien, nur du allein" oder "O sole mio". Ich würde sagen, dass die wenigen Auserwählten dort die einzigartige Möglichkeit hatten ein Stück Musikgeschichte "live" mitzuerleben. Und wir können dieses auf CD/DVD auch! "Nessun Dorma", aus der Oper "Turandot" von Puccini, wurde zunächst von Pavarotti allein gesungen - man bekommt regelrecht eine Gänsehaut, weil es so traumhaft ist diese geniale Stimme dieses unvergleichliche Stück singen zu hören. Als letzte Zugabe wird es encore gesungen und trägt seit diesem Abend nicht länger nur den Titel "Nessun Dorma", sondern auch "Vincero", aufgrund der letzten paar Takte in denen es bis zum hohen "H" hochgeht (das ist schon ziemlich hoch!!!) und der Text nur aus den Worten Vincero (Ich werde siegen!) besteht. Für meine Begriffe ist dieses Konzert, auch auf CD und DVD, ein toller Querschnitt und ermöglicht es Menschen, die zuvor vielleicht mit der Oper bzw. klassischer Musik nicht so viel anfagen konnten, einen Einstieg zu finden und die Begeisterung für diese Art von Musik zu entdecken. Natürlich kann man auch an diesem Auftritt Kritik üben, aber sollte man nicht auch einfach mal versuchen die großartige Leistung der Sänger, des Dirigenten und des Orchesters, die Qualität dieser Aufnahme und des gesamten Konzertes zu würdigen? Ich bin der Ansicht es gibt kaum ein besseres Beispiel dafür, Musik allen Menschen zugänglich zu machen und nicht, wie es häufig bei klassischer Musik und der Oper der Fall ist, nur einem erlesenen Kreis. Ich wünschen allen, die sich für dieses Konzert entscheiden sehr viel Spaß bei dieser Aufnahme! Es lohnt sich auf jeden Fall!

3 Tenöre, Mehta 1990

5 von 5 Punkten
Die italienischen,napolitanischen und spanischen Stücke:
Das schönste überhaupt, was Musik geben kann.
Ein wahnsinns Gefühl, immer wieder Gänsehaut, Überwältigung der Emotionen beim Hören .......Belcanto....
EINFACH TRAUMHAFT !!!!!!!!!!!! Nonplusultra !!!!

Das Jahrhundertwerk

5 von 5 Punkten
Carreras, Domingo und Pavarotti unter der Leitung Zubin Mehtas an einem angenehm warmen italienischen Sommerabend im Jahre 1990.
Dazu der Vorabend zum Fußball-WM-Endspiel, eine Kulisse wie nie zuvor! Das legendäre Konzert in den Caracalla-Thermen zu Rom besticht durch eine exzellente Auswahl besonderer Arien, gesungen von den drei besten Tenören unserer Zeit. Ein Meisterwerk der populären Klassik. Top: Pavarottis mächtige Nessum dorma Vorstellung. KAUFEN !

Grandiose Gesamteinspielung

5 von 5 Punkten
Wer so recht eigentlich in das sinfonische Schaffen Beethovens eintauchen will, kommt wohl kaum an Leonard Bernsteins grandioser Gesamtinterpretation vorbei. Mehr noch, die Deutsche Grammophon hat mit dieser Wiederveröffentlichung ein ganz besonderes Juwel Bernsteins auf den Markt gebracht. Zuerst erschien dies unvergleichliche Album als repräsentative Kassette mit acht Langspielplatten von allerbester Qualität, einem formidablen Beiheft und einem großartigen Portrait des beliebten Dirigenten in würdevoller Haltung auf der Vorderseite. Bis heute ziehe ich Bernsteins gemessene, geradezu majestätische Tempi jeder anderen Version vor. Ein wenig Nostalgie mag dieserhalb durchaus eine Rolle spielen, doch ich denke, die von mir so sehr geliebte "Eroica" (3. Sinfonie) kann niemals besser klingen als hier. Meine Eltern schenkten mir in meiner Jugend die - für damalige Verhältnisse ausgesprochen teure - 8LP-Box zu Weihnachten und ich musste meiner Mutter zusichern, "auch mal Karajan" zu hören. Zähneknirschend willigte ich ein. (Siehe auch meine Rezension vom 21. September 2006 zu Karajans Einspielung der "Brandenburgischen Konzerte" Johann Sebastian Bachs.)

Leonard Bernstein war sich sehr im Klaren darüber, dass viele Menschen im Laufe ihres Lebens die Fähigkeit zur Freude verlieren und er wollte mit seiner Kunst ganz bewusst ihrem Mangel begegnen. Für ihn persönlich fiel die Erstveröffentlichung dieses Albums in die Zeit der Ernte seines Lebens. Mir ist, als habe er in die hier vorliegenden Aufnahmen seine gesamte Erfahrung eingebracht. Diese spektakuläre Einspielung der Sinfonien Beethovens wird bei einem großen Kreis von Musikfreunden unweigerlich Erinnerungen an die Achtzigerjahre wachrufen, als viele von Bernsteins Konzerten im deutschen Fernsehen übertragen wurden. Zu dieser Zeit war er vermutlich - von Karajan vielleicht einmal abgesehen - der beliebteste Dirigent hier zu Lande. In jenen Jahren freute ich mich wie ein kleiner Junge auf seine großartigen Neujahrskonzerte. Im Anschluss daran wurde Leonard Bernstein an einem Tisch sitzend gezeigt, den Zuschauern das aufgeführte Werk erklärend - in sehr pronounciertem Deutsch. Für mich waren seine Kommentare stets eine "Neujahrsansprache" der ganz besonderen Art!

Arg verschleppte Tempi und überbordende Gesten hat man Leonard Bernstein zuweilen vorgeworfen, doch in Wirklichkeit ist hier nichts, was das gewaltige Werk in seinen Gesamtproportionen beeinträchtigen oder ihm die Spannung nehmen könnte. Im Gegenteil, Bernstein dient der Musik Beethovens mit einer solchen Inbrunst und Eindringlichkeit, dass der Komponist seine wahre Freude daran gehabt hätte! Hier und da wirkt Beethovens Musik unter Bernsteins Dirigat derart zart und zerbrechlich, dass man kaum zu atmen wagt. An anderen Stellen kommt eine solch wuchtige atmosphärische Dichte auf, dass man sich mit geschlossenen Augen beinahe in einen Konzertsaal versetzt fühlt. Obwohl ich nie ein Freund speziell der 9. Sinfonie war, muss ich sagen, dass Leonard Bernsteins erhabener Ernst bei der geistigen Durchdringung Beethovens sinfonischer Werke aufs Ganze gesehen stets einen unvergleichbar starken Eindruck auf mich gemacht hat. Seine Sicht auf Beethovens gewaltige Partitur, seine klare Handschrift in der Linienführung und seine bemerkenswert vertrauensvolle Abstimmung mit den Wiener Philharmonikern kennzeichnen eine Gesamtinterpretation, die über ihre Zeitbedingtheit hinaus großen Wert behalten wird. Der weiche Klang der Hörner und die satte Präsenz der Streicher erfüllen diese überaus klar strukturierten Einspielungen mit einer teils sachten, teils überwältigenden Emotionalität. Beethovens Kompositionen verlangen Solisten, Chor und Orchester das Äußerste ab. Dass die Intonationssicherheit der Vokalsolisten mitunter auch Grenzen kennt, fällt im Gesamtbild jedoch kaum ins Gewicht. Die Klangqualität der Aufnahmen ist einfach superb und überragt manche Studio-Einspielungen um Längen.

Mit einem Wort? SCHÖN!

5 von 5 Punkten
Diese Einspielung habe ich mir gekauft weil ich einen Zyklus mit den Wiener Philahrmonikern besitzen wollte und ich muss sagen meine Erwartungen wurden übertroffen!
Bernsteins Beethoven ist einfach schön. Die Tempi sind eher gemäßigt und manchmal relativ langsam, im Gegensatz zur Schnarchpartie Masurs wirken sie jedoch nie geschleppt sondern selbst im langsamsten Larghetto immer noch spannungsgeladen.
Die Klangqualität hat alles bisher von mir gehörtes übertroffen. Man merkt so gut wie nie, dass es sich um eine Liveeinspielung handelt.
Die Wiener sind in absoluter Höchstform. Zu besonderer Höchstform laufen sie bei der 4. und bei der 7. auf. Der erste Satz der 5. hätte etwas mehr Tempo vertragen. Leider wurde die 9. in der Staatsoper und nicht wie die anderen in Akkustischen Paradis, dem Wiener Musikverein, genommen, daher ist der Klang hier nicht so ganz vollkommen (im Gegenzug sind hier nur 2 oder 3 mal Hintergrundgeräusche zu hören). Hier muss vorallem der Schlusschor im 4. Satz erwähnt werden, der endlich einmal ein unkontrollierter extatischer Freudentaumel ist.
Alles in allem, der beste Beethovenzyklus den ich habe, wenn auch einer der langsamsten. Eindeutig besser als Karajan 1963 (nicht nur wegen der Klangqualität, die eher an DDD im Studio erinnert, als an ADD live).

Großmacht Wiener Philharmoniker

4 von 5 Punkten
Mit wie vielen Dirigenten die Wiener wohl die Beethoven-Sinfonien eingespielt haben ? Bernstein traf erst recht spät auf dieses Orchester,Mitte der sechziger Jahre, aber sogleich ergab sich eine höchst freundschaftlich-fruchtbare Beziehung.
Auch dieser live-Zyklus der Beethoven-Sinfonien ist davon Beleg. Ähnlich wie sein Kollege Carlos Kleiber vermochte Bernstein, die Wiener zu elektrisieren. " Vordere Stuhlkante" bei einem Orchester wie diesem, ist schon eine Dirigentenleistung der Sonderklasse. Anders als der recht farblose Zyklus von Rattle mit den Beethoven-Sinfonien, liefern die Wiener mit Bernstein Beethoven machtvoll im Breitwandformat. Man höre sie entfesselt spielen beim "Gewitter" in der Pastorale, aber auch die siebte Sinfonie, dritter und vierter Satz, der zweite Satz der neunten- der Eingangssatz der fünften,natürlich. Da steckt ungeheure Leidenschaft hinter. Ein mächtiger Beethoven- nicht übermächtig und extatisch, wie teilweise bei Furtwängler, aber schon sehr gewaltig.

Die " kleineren " Sinfonien erscheinen einem in diesem Zyklus- wahrscheinlich unvermeidlich- zu dick aufgetragen. Wenn man Hogwood,Norrington,Gardiner,Immerseel und manche andere kennt, ist dies ein unvermeidlicher Eindruck. Durchsichtigkeit,Beweglichkeit kleinerer Ensembles fehlen naturgemäss.
Wer Beethoven im Breitwand-Format,mit viel Leidenschaft, mag, ist mit diesem Zyklus sehr gut bedient.

romantisch - aber wie !

4 von 5 Punkten
Wenn eine "romantische" Aufnahme der Beethoven-Sinfonien, dann diese ! Die Wiener Philharmoniker in Höchstform, mit butterweichen Hornsoli und brillantem Streicherklang und auch sonst allen Vorteilen, die man von ihnen kennt.
Die jüngere Generation ist allerdings auch mit den Interpretationen von Norrington, Hogwood, Harnoncourt etc. aufgewachsen, und so erscheinen einem manche Tempi auf den ersten Blick recht langsam, sie sind allerdings immer erfüllt und voller Emotion, manchmal bis zum Platzen.
Kleiner Abstrich: der 4. Satz der Neunten: Bayreuths Brünnhilde, Fricka und Siegfried sowie Münchens Fafner und Hunding wirken doch etwas elefantös, obwohl sich die ersten drei (Jones, Schwarz, Kollo) recht erfolgreich um Differenzierung bemühen.
Für den sonst großartigen Kurt Moll liegt dieser Part einfach zu hoch, er quält sich hörbar (vor allem mit dem fis' in "freudenvollere").Auch der Chor tut sich schwer mit Bernsteins (und Beethovens) extremen Anforderungen, vor allem die piano - Einsätze auf höheren Tönen klingen manchmal etwas nach Meerschweinchenquälerei.
Ansonsten wie gesagt die empfehlenswerteste der "konventionellen"
Beethoven - Zyklen.

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BEST OF THREE TENORS

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DIE SCHÖNSTEN ARIEN

MARIA CALLAS - ihr Ruf ist durchgedrungen bis in den Nahen Osten (Golf Region) !

5 von 5 Punkten
Weil ich im Nahen Osten lebe und arbeite - mein Hauptwohnsitz ist Muscat/Oman, im Süden der arab. Halbinsel - unterhalte ich mich mit arabischen Bekannten und Freunden über Weltklasse- Künstler der arabischen Musik und der westlichen Kulturen.

Im Nahen Osten gibt es z.B. in Beirut/Libanon die letzte noch lebende Legende der 5 "all-time big 5" der traditionellen klassischen arabischen Musik: die Sängerin "FAYROUZ". Wenn sie auftritt, dann sind arabische Multimilliardäre aus dem Geld- und Öladel Arabiens im Publikum, Kaiser & Könige, Staatsoberhäupter und Präsidenten. Nicht wenige schwerreiche Araber reisen Fairuz hinterher, wenn sie in Abu Dhabi, in Dubai, oder auch in Nordamerika auftritt, dann fliegen sie dorthin, um die "last living legend " zu hören.

Im Gegenzug habe ich meinen arabischen Freunden und Bekannten meine persönlichen Favoriten der westlichen Opernmusik vorgestellt: die
Sängerin MARIA CALLAS und der Sänger LUCIANO PAVAROTTI. Meine Bekannten in Arabien sind begeistert von beiden Künstlern!

"One of the greatest and most versatile operatic singers in recent history. She sang an incredible variety of roles; from Wagnerian to light coloratura; from high soprano to mezzo. But it is not just the range of roles she was capable of singing, but how she sang them that makes her special. She had a distinctive vocal timbre which she could colour in a seemingly infinite number of manners. She could also act, a rarity with opera singers still today. She was a joy to listen to and watch. True her voice was flawed, but her artistry was unmatched."
-- by Scott Eric Smith

"Of Callas's artistic pre-eminence there can be no doubt. Among her contemporaries she had the deepest comprehension of the Classical Italian style, the most musical instincts and the most intelligent approach. There was authority in all that she did on the stage and in every phrase that she uttered... [N]umerous recordings, including many complete operas, remain to show that her technical defects were outweighed by her genius."
-- by Desmond Shawe-Taylor, New Grove Dictionary of Opera

..... A portrait:
Maria Callas (real name Kalogeropoulos) was born in New York on the fourth of December 1923. Her parents were Greek emigrants. As a small child Maria acquired an ear for music by listening to gramophone records and radio programmes. Piano and singing lessons followed.
The family at that time was in difficult financial circumstances. Her father was forced to give up his drugstore and found a badly paid job in the pharmaceutical industry. In Greece the standard of living was lower than in the United States and, also because of marriage problems, mother Kalogeropoulos decided to return to Greece with her two daughters. The money Maria's father sent over enabled them to lead a satisfactory life and it could pay for Maria's singing studies at one of the academies of music in Athens. Her tuition under a famous singing master took from morning till night. After several school performances she was offered a part in the Royal Opera in Suppé's Boccaccio. This formed the start of her professional career.

In 1940 Greece became engaged in the Second World War, as a consequence whereof the monthly payments from America stalled. The position Maria had with the Opera brought some compensation, and from time to time she performed for the enemy troops. In 1942 she replaced a soprano at the opera who was taken ill. With this part of Tosca she got her first publicity. In October 1944 Athens was liberated by the British Forces, for whom she worked as an interpreter for some time. Because the situation in Greece deteriorated, caused by the civil war which broke out in December 1944, and because of her bad relationship with her mother, Maria decided to return to her father in New York in September 1945. Life in New York was quite luxurious compared to life in Athens, but immensely difficult for an up-and-coming singer. The United States were over-run by singers from Italy, so competition was heavy. What should have been her debut in Chicago one day was blown off because the company went bankrupt. In the meantime her mother came back to New York, and with her the family problems. So when Maria was offered a contract for La Gioconda in Verona, she jumped at the occasion and went to Italy. The journey there was paid for with borrowed money. In Italy she met with her future husband Meneghini, as well as with her mentor Tullio Serafin and the obtrusive Italian press. Her sensational performance in Wagner's Walküre and two days later in Bellini's I Puritani received worldwide publicity. In Italy from then on she was a star and she received many offers from the gramophone record companies. Her records made her famous and popular the world over.

The press haunted her constantly and invaded her private life; her divorce from Menighini and her affair with Onassis were covered by the press all over the world. Her affair with Onassis was not only tragic to her personally, but also disastrous to her career. She contracted a throat disease which caused her voice to lose quality, but she did not take it seriously. After Onassis' marriage to Jacqueline Kennedy Maria broke down. She made several disappointing attempts to pick up her career, but her life had lost its sense to her. Her death on the 16th of September 1977 brought to an end to the tragic life of this fascinating artist.

What are the reasons for the phenomenon MARAI CALLAS"?

Including some of Maria's rarest heard recordings as well as some of her old classics, this CD is a must for all opera fans, Maria fan or not. Many people ask- "Did Maria have a pretty voice?" A pretty or beautiful voice is something that Maria lacked. However, the 'beautiful' thing about Maria's voice is her amazing control and technique, as well as putting so much feeling into the songs that if you know the translation or not, you still understand every word that Maria is signing because of all the emotion behind it.

Die Psychoanalytikerin Elisabeth Bronfen gibt eine exzellente Beschreibung des Phänomens "DIVA" Maria Callas!

"Am 16. September 1977 starb Maria Callas vereinsamt in Paris. Ihr Leben hat wie kein anderes gezeigt, was eine Diva ist

Die Diva, göttlich und irdisch zugleich, ist eine Auserwählte im Starsystem. Wie aus dem Nichts erscheint sie plötzlich im öffentlichen Raum und zieht unsere Aufmerksamkeit auf sich. Zwar wissen wir, dass sie wie jede andere Berühmtheit das Produkt einer geschickt gesteuerten Starmaschinerie ist. Doch die Diva ist kein bloß manipulierter Kunstkörper. An ihr zieht uns etwas an, dessen wir nicht habhaft werden können. Im Timbre ihrer Stimme, im Ausdruck ihrer Gestik liegt eine Authentizität, die Voraussetzung für das Starimage ist und Bedingung für unseren Genuss. Ihre außerordentliche Begabung sowie die tragischen Umstände ihres Lebens sorgen dafür, dass die persönliche Geschichte vom Image nie zu trennen ist. Dadurch stellt sich bei der Diva die Frage nach der existenziellen Substanz, von der ihr Starkörper zehrt, mit besonderer Brisanz. Sie verkörpert nicht nur Glamour, sondern auch einen Schmerz: Der reale Leib in seiner Versehrtheit hat am verführerischen Spiel immer teil. Weil die Diva bereit ist, in ihrer Kunst alles zu riskieren und sich uneingeschränkt zu verausgaben, sind wir bereit, sie grenzenlos zu bewundern. Doch dieses Tauschgeschäft hat einen hohen Preis. Nicht ganz von dieser Welt, ist die Strahlkraft der Diva immer gefährdet.

Kaum eine Sängerin hat uns den Glanz und das Leid der Diva so vollkommen vorgeführt wie Maria Callas. Der veralteten Operntradition des Belcanto hat sie den Einzug in die Massenkultur ermöglicht, weil sie über ein rein vokales Feuerwerk hinaus in der dramatischen Intention der Musik eine emotionale Wahrheit entdeckte, der sie mit ihrem expressiven Gesicht, glamourösen Körpergesten und einer makellosen Gesangstechnik Ausdruck verlieh. Ihre subtile schauspielerische Darbietung der melodramatischen Heroinen des 19. Jahrhunderts ließ erkennen, wie modern diese Frauen in ihrer Lebenslust, ihrer Eifersucht, ihrer Verzweiflung und in ihrem Selbstopfer sein konnten. Darin glich Callas ihren Rollen, war doch auch sie bereit, aus einer grenzenlosen Liebe für die Musik selbst ihre Stimme nicht zu schonen und sich den Forderungen ihres Gesangs wie eine Hohepriesterin zu unterwerfen. Von einem ausgeprägten Perfektionswahn und der Begeisterung für die Opern von Bellini, Rossini und Verdi getrieben, fand ihre Leidenschaft als Sängerin und als Frau in den Emotionen der Norma, Medea und Traviata die perfekte Ausdrucksform. Callas machte sich das Schicksal dieser Frauenfiguren zu eigen und war zugleich von diesem selbst besessen.

Der Kunsthistoriker Aby Warburg spricht von Pathosformeln, um jenes Zusammenspiel von rauschhafter Ergriffenheit und Besonnenheit zu benennen, das die Oper auszeichnet. Auf der Bühne setzen sich große Emotionen in Gestik um. Die Intensität des Pathos und die musikalische Formalisierung halten sich jeweils die Waage. Nachhaltig berühmt bleiben die Auftritte der Callas, weil sie ihre persönliche Leidenschaft in die der von ihr verkörperten Heroinen übergehen lassen konnte. In der Distanz zu sich selbst, die über das Anlegen der Rolle gewonnen wurde, lag jene Intimität, die ihrem Publikum den Eindruck vermittelte, dass sie die Emotionen nicht nur darstellt, sondern mit ihnen verschmilzt. Zugleich blieben diese Darbietungen eine Pose, aus der die Callas nie herausfiel. In der Rolle der Tosca in Zeffirellis Inszenierung in Covent Garden 1964 - ihrer letzten Opernaufführung überhaupt - erscheint sie nicht als souveräne Diva, sondern als hilflose und verzweifelte Liebende, die scheinbar wirklich weint, während sie singt. Dennoch besteht kein Zweifel: Diese erstaunliche Vermengung von Sängerin und Bühnengestalt ist zugleich Ausdruck ihres Diventums: Sie scheute nie davor zurück, in ihren Auftritten bis an die Grenze ihrer stimmlichen und dramatischen Möglichkeiten zu gehen - und dennoch blieb sie immer unnahbar.

Maria Callas hat zwar für den Einzug des Schauspiels in die Opernwelt gesorgt, doch mit ihr ist die Diva von dieser Bühne verschwunden. Erfolgreiche Sängerinnen wie Cecilia Bartoli oder Anne Sophie von Otter geben sich bodenständig und planen in weiser Voraussicht. Klug berechnen sie ihre Karriere und wollen lieber den Weg einer Christa Ludwig einschlagen, die noch im hohen Alter Konzerte meistern konnte, als sich zu verausgaben und vorzeitig zu erlöschen.

Doch auch auf anderen Schauplätzen unserer zeitgenössischen Medienlandschaft taucht die Diva nicht auf, als wäre ihre Kompromisslosigkeit aus der Mode geraten. So sehr Callas sich zeit ihres Lebens gegen die Vorwürfe von Operndirektoren und Musikkritikern zur Wehr setzen musste, so sehr vertrat die in Brooklyn aufgewachsene Tochter griechischer Einwanderer die Pathosgeste des individuellen Widerstands. Gern behauptete sie von sich: »Ich bin frei, weil ich keine Konzessionen mache.« Diese Souveränität hat in unserer Welt, deren liberalisierte Ökonomie immer mehr Flexibilität von den Menschen fordert, kaum Platz. Jede Diva zeichnet eine strenge Disziplin aus, die dazu führt, dass sie sich ihrer Arbeit gänzlich verpflichtet, und Callas forderte von sich selbst, ihrer Vorstellung von künstlerischer Perfektion immer treu zu bleiben. Sie wollte sich nicht geschmeidig den Belangen der Opernwelt anpassen und reibungslos in dieser funktionieren. Deshalb war sie unnachahmbar.

Ungeachtet jeglicher Konsequenzen, verfolgt eine Diva hartnäckig ihr Ziel. In eine Öffentlichkeit, in der Meinungsumfragen alles beherrschen, passt eine solche Aufrichtigkeit schlecht. Vermarktungsstrategien sind überall sichtbar, alles wird im Voraus genau berechnet. Funktionieren kann eine Berühmtheit heute, wenn sie gefällig ist. Selbst eine Kontroverse muss den Befindlichkeiten des Publikums angepasst sein. Eine begabte Politikerin wie Hillary Clinton sichert ihre öffentlichen Auftritte mit derselben Absolutheit ab, mit der eine Diva bereit ist, alles aufs Spiel zu setzen. Jede Reaktion, die die Senatorin mit ihren Aussagen auslösen könnte, ist immer schon mitkalkuliert. Dies mag zwar für eine Anwärterin auf die US-Präsidentschaft pragmatisch sein, führt jedoch auch zum Vorwurf fehlender Glaubwürdigkeit. Aus Hillary Clinton sprechen so viele fremde Stimmen, dass man den Eindruck gewinnt, sie spreche als politischer Automat aus, was ihre weltklugen Berater ihr eingeflößt haben. Zugleich gelingt es ihr nicht, die eigene Machtlust zu verbergen, sodass jede Selbstkritik, mit der sie eine frühere Entscheidung in der öffentlichen Meinung zu korrigieren sucht, als reine Markttauglichkeit begriffen wird. Das perfekte Kalkül stützt zugleich unwillentlich jenen paranoiden Hang unserer zeitgenössischen Kultur, der mit Vorliebe alles unter Verdacht stellt, hinter allem eine Verschwörung wittert und deshalb allen öffentlichen Personen misstraut.

Einer Diva hingegen muss man uneingeschränkt Vertrauen schenken können. Die nachhaltige Bewunderung für Maria Callas fungiert als Korrektiv zur heutigen Inflation von Startum, in dem Berühmtheiten allgegenwärtig und deshalb beliebig geworden sind. Statt des Pathos der Diva, das eine Intensität des Ausdrucks mit jener Diskretion verbindet, die im Einhalten der auserwählten Pose liegt, findet sich in unserer Medienlandschaft eine manipulierte Intimität, die gar keinen Anspruch auf Authentizität oder Wahrheit des Ausdrucks hat, sondern nur auf messbaren Effekt. Schrecken die Paparazzi von heute vor nichts zurück, um verfängliche Fotos eines Stars zu ergattern, fehlt es auch den Opfern ihres Furors an Zurückhaltung. Doch wenn in der Boulevardpresse nichts mehr vor dem Auge der Fans zurückgehalten werden kann und in den Realityshows alles preisgegeben werden soll, verschwindet das Geheimnis aus der Welt der Stars, deren Funktion es immer war, uns zum Träumen zu verleiten. Darf man den tragischen Ausgang von Princess Dianas gefährlichem Spiel mit den Medien nachträglich als das Aufflackern einer Eintagsdiva begreifen, erscheint Paris Hilton nur noch als Prototyp einer medial entleerten und zugleich multioptionalen Projektionsfläche: Barbiepuppe einer Spaßgesellschaft, die das Image von Jugend und Reichtum bar jeder Substanz in Umlauf bringt. Diana gelang es immerhin, sowohl Begeisterung als auch Verachtung auszulösen, weil an ihr eine Veränderung der britischen Gesellschaft ablesbar wurde, die schließlich in der Debatte um ihre Trauerfeier öffentlich ausgetragen wurde.

Die glatte Oberfläche des schönen Scheins ist hingegen der Diva fremd. Die Leidenschaft der Maria Callas war von einer doppelten Willenskraft getragen: Sie war entschlossen, jegliche Hindernisse zu überwinden - und sie wusste um die Möglichkeit des eigenen Scheiterns. Der Sänger Jon Vickers schildert von einem gemeinsamen Auftritt an der Scala folgende Anekdote: Während des Liebesduetts in Medea war der Callas ein hoher Ton misslungen, und einige Zuschauer hatten begonnen, sie auszupfeifen. Deshalb drehte sie sich von ihrem Partner ab, wandte sich direkt dem Publikum zu, streckte ihre Arme aus und änderte den Text. Zu Verdis Musik verkündete sie: »Ich habe alles geopfert und es stattdessen an euch gegeben.« Einen Moment lang war die Spannung so groß, dass im Opernhaus kein Geräusch zu hören war, dann tobte das Publikum vor Begeisterung. Doch die Pointe der Anekdote führt zur Fragilität der Diva zurück. Während sie sich gemeinsam verbeugten, flüsterte Maria Callas ihrem Partner unentwegt zu: »Sind sie nicht schrecklich, Jon, sind sie nicht schrecklich?«

Der Zauber der Callas besteht darin, keine virtuose Gesangsmaschine, sondern eine Frau zu sein, die ihre Bühnenrollen mit eigener Lebenskraft speist. Ungeniert enthüllt sie auf der Bühne die Frau hinter der Maske, um von ihrem Publikum die ihr gebührende Achtung einzufordern. Eine Diva braucht die Zuneigung ihres Publikums. Jeder Entzug verletzt sie nicht nur in ihrem Stolz als Künstlerin, sondern in ihrem Wesen. Zugleich verlangt man von ihr jedes Mal ein Wunder. Deshalb hat die Diva vor dieser Bewunderung, die sie sich mit jedem Auftritt von Neuem erobern muss, auch Angst. Für Maria Callas mündete dies in einen schrecklichen Widerspruch: Als Ende der sechziger Jahre ihre Auftritte hörbar schlechter wurden, wuchs ihre Beliebtheit. Der unsicheren stimmlichen Darbietung spendete das Publikum ohne Vorbehalte und enthusiastisch Applaus. Vielleicht war die Ablehnung der früheren Jahre in Mitleid umgeschlagen, weil man ahnte, dass sie kurz davor war, für immer abzutreten. Selbst ohne die Kraft ihrer Stimme hatten zudem ihre Pathosgesten den vertrauten Zauber nicht verloren. Ihr Timbre und ihr interpretatorischer Ausdruck waren stärker denn je.

Wenn man bedenkt, wie sehr ein Teil ihrer Faszination als Sängerin gerade darin lag, dass sie nicht nur die Leidenschaften großer Opernheroinen mit ihrer idiosynkratischen Klangfärbung versah, sondern zudem die eigenen Mängel als Sängerin nie vertuschte, könnte man folgende Vermutung anstellen: Callas wirkte während ihrer letzten Auftritte so überzeugend, weil sie eine Fragilität ausstrahlte, in der die Sängerin und jene Opernrollen, die unweigerlich auf das Verstummen des Soprans im letzten Akt hinauslaufen, gänzlich übereinstimmten. Zugleich muss es für die Perfektionistin schrecklich gewesen sein, zu erkennen, dass der Zauber des Bühnenauftritts trotzdem funktionierte oder vor allem deshalb. Das Idol, das sie nie sein wollte, hatte sich verselbstständigt. Kein Wunder, dass ihr das Herz stillstand am 16. September 1977. Ob die unnachahmbare Strahlkraft der Diva nochmals aufleben kann, ist ungewiss. Dass sie uns fehlt hingegen, ist sicher."

von Elisabeth Bronfen
Literaturwissenschaftlerin und Psychoanalytikerin;
Autorin des Buches "Diva - eine Geschichte der Bewunderung"

Die schönten Arien "grauenhaft"

3 von 5 Punkten
Ich meine hiermit nicht die Callas. Gemeint ist die technische Umsetzung. Wer etwa glaubt, hier die originalen (mono) Aufnahmen vorzufinden, sieht sich enttäuscht.
Aufgepeppt mit Echo, Hall und mit völlig zerstörter Dynamik, empfiehlt sich diese D.CD nur für Callas umsäuselte Ohren, nicht aber für Originalität.
Da alles gleich laut und echoverzerrt klingt, ist alles auch gleich langweilig.
Einfach grauenhaft!

Angemessen

4 von 5 Punkten
Maria Callas ist Jahrzehnte nach ihrem Tod immer noch Kult.Sie war,neben allen Skandalen,offensichtich eine Person mit ungeheurer Bühnenpräsenz.Dieser Kult-Status hat sich auf ihre mediale Präsenz übertragen,obwohl dies nicht selbstverständlich ist. An der Stimme hat man ja viel ausgesetzt, nicht erst, als diese verbraucht war ( Aufnahmen jenseits von 1960). Nicht umsonst wurde ihr Tebaldi mit dem engelhaften Schöngesang gegenübergestellt. Das war wirklich nicht die Sache einer Maria Callas. Sie gestaltete, sicher immer totalintensiv. Der Bild ist ja oft, eine Kerze, die von beiden Seiten brennt. Das bekam mancher Musik ungeheuer gut, wie der Lucia in Donizettis "Lucia di Lammermoor". Wahnsinn aufgrund einer Liebeskrankheit, das lag Callas ( ist sie nicht an so etwas gestorben?).Ebenso die Medea ( auch im Film von Pasolini)- wie auf den Leib geschneidert. Diese Intesität bekam anderen Rollen deutlich weniger, tutte le torture- Marten aller Arten aus der Enführung, auf italienisch, ziemlich grauenhaft, nicht wegen des Italienisch,sondern wegen des emotionalen Überdrucks, der Mozart erschlägt. Ich finde zB, dass sie für mich keine ideale Violetta ist ( zu wenig zerbrechlich),keine ideale Gilda( zu wenig mädchenhaft),keine ideale Mimi ( siehe Violetta) ,keine ideale Rosina im Barbier ( die Koketterie nehme ich ihr nicht ab), aber zB eine ideale Lady Mcbeth- wer könnte das je besser singen ? Es gibt eine Überfülle von Aufnahmen,teilweise in miserabler Qualität, was nicht hindert, diese auch als Hochpreisaufnahmen zu vermarkten,etwa die Traviata aus der Scala, 1955, bei der der Souffleur teilweise lauter ist als die Sänger ( polemisch). Schon deswegen ist die Anthologie zu loben.Die erste Aufnahme stammt (angeblich ?) von 1956, und ist praktisch von allem Rauschen befreit. Die Stimme wird höchst differenziert wiedergegeben ( zur Interpretation meine geäusserten Vorbehalte).Das spezielle Timbre der Stimme kommt doch sehr gut heraus. Für Fans der Callas müsste es eigentlich ein Fest sein, so gut ist die Stimme höchst selten auf CD gebannt, die neueren Aufnahmen leiden halt an dem Verfall er Stimme. In dieser Zusammenfassung finden sich viele High-lights des Schaffens der Callas: Casta diva aus Norma, mamma morta aus Andrea Chenier,Vissi darte aus Tosca und viele andere mehr. Obwohl ich kein spezieller Fan der Callas aus den dargestellten Gründen bin, höre ich speziell diese Anthologie am ehesten, weil sie angemessen die Kunst dieser Ausnahme-künstlerin wiedergibt. Ein kleiner Wunsch zu Schluss: ich hätte sie lieber als Turandot gehört denn als Liu. Die Callas war eine Königin, eine Furie, nicht eine liebende Sklavin ( oder doch?)

Eine Kostbarkeit!

5 von 5 Punkten
Ich habe mittlerweile, auch dank Amazon, einen größeren Bestand mit
Aufnahmen von Maria Callas.
Diese 2 CDs sind aber mit Abstand, für mich, die tollsten Aufnahmen in meiner Sammlung. Bei machen Arien bekommt man eine Gänsehaut. Einige meiner Bekannten sind ebenso begeistert.
Statt Kaffeeklatsch gibt es Musiknachmittage mit Kaffee. Und auf dem Programm stehen immer diese CDs mit "den schönsten Arien"

Eulen nach Athen

5 von 5 Punkten
Den einzigartigen Gesang vom Maria Callas zu loben, wären die berühmten, nach Athen getragenen Eulen.
Maßstab für die Bewertung der hier vorliegenden Aufnahmen muss daher vorwiegend die klangliche Präsentation, der teilweise mehr als 50 Jahre alten Aufnahmen sein und da muss ich zumindest einem meiner Vorrezensenten heftig wieder sprechen.
Sicherlich ist die digitale Aufbereitung von analogen Aufnahmen eine heikle Sache, aber wenn sie, wie im vorliegendem Fall, mit Einfühlungsvermögen und Bedacht vorgenommen wird, hat sie mit Sicherheit ihre Existenzberechtigung.
Auch unter Berücksichtigung des durchaus fairen Preises, halte ich diese Ariensammlung daher für das ideale Einstiegswerk in das Schaffen "Der Callas".

Produktbeschreibung

ESPRIT/ADAGIO FÜR STREICHER

Produktbeschreibung

SINFONIEN 88,92,94

Ein wirklich gelungener Haydn

5 von 5 Punkten
Diese CD mit den Wienern unter Bernstein stellt ein gutes Vorbild für Haydn dar. Bernstein spielt temperamentvoll und fröhlich. Die 88. kommt fein säuberlich rüber, die 92. ist sehr glanzvoll gespielt und bei der 94. sind die Tempi sehr abwechslungsreich (im Menuett mäßig langsam und im Presto pfiffig schnell).
Fazit: Alles zusammen ergibt dies einen sehr gelungenen Haydn.

Ein wirklich gelungener Haydn

5 von 5 Punkten
Diese CD mit den Wienern unter Bernstein stellt ein gutes Vorbild für Haydn dar. Bernstein spielt temperamentvoll und fröhlich. Die 88. kommt fein säuberlich rüber, die 92. ist sehr glanzvoll gespielt und bei der 94. sind die Tempi sehr abwechslungsreich (im Menuett mäßig langsam und im Presto pfiffig schnell).
Fazit: Alles zusammen ergibt dies einen sehr gelungenen Haydn.

Aus der Amazon.de-Redaktion

Leonard Bernstein war nicht nur ein berühmter Komponist und Dirigent, sondern hatte auch ein Herz für den Nachwuchs, quälte ihn möglichst nicht mit trockener Musiktheorie, sondern riß ihn mit durch seine in jedem Wort spürbare Begeisterung für die Musik.
Was haben die alten Kirchentonarten in einem Beatles-Song oder in einem Stück von Debussy zu suchen? Was ist der Unterschied zwischen einer Symphonie und einem Konzert? Wann klingt Musik amerikanisch? Warum sind die kleinsten Einheiten der Musik, aus denen sich alles zusammensetzt, nicht Töne, sondern Intervalle? Was ist so beeindruckend an impressionistischer Musik? Was ist eine Melodie, was klassische Musik, wie ist eine Sonate aufgebaut? Fragen über Fragen. Aber der Schöpfer der "Westside Story" ist natürlich nie um eine gute, verständliche Antwort verlegen.
Konzert für junge Leute war ursprünglich eine erfolgreiche Serie im amerikanischen Fernsehen. Der später entstandenen Buchfassung merkt man das vor allem an der Sprache an: sehr lebendig, anschaulich und witzig. Im Fernsehen hatte Bernstein allerdings auch die New Yorker Philharmoniker an seiner Seite, die auf seinen Wink jedes gewünschte Stück intonierten. Es ist schade, daß dem Buch nicht eine CD mit zumindest den wichtigsten Musikbeispielen beigefügt wurde. Die Noten sind zwar abgedruckt, aber davon hat nur der Leser etwas, der zufällig recht gut Klavier spielen kann.
Wer begreift, wie Musik funktioniert, hat auch mehr Freude an ihr. Das war Bernsteins Motto. Und weil er Laien so behutsam an den musikalischen Kosmos heranzuführen versteht, kann man sein Konzert für junge Leute vielleicht auch den schon etwas älteren Leuten empfehlen. --Christian Stahl

Amazon.de-Hörbuchrezension

"Stunden habe ich vor dem Fernseher verbracht, wenn seine Konzerte für junge Leute wiederholt wurden", schwärmt Elke Heidenreich, wenn von Leonard Bernstein die Rede ist. Nun übernimmt sie den Taktstock des verstorbenen Maestros -- und vom ersten Moment an fühlt man sich bestens aufgehoben. Bernsteins legendäre "Young People's Concerts" aus den 60er-Jahren, in denen er auf unnachahmliche Art Kindern den Zugang zur klassischen Musik eröffnete, später in Buchform veröffentlicht, wurden nun, zusammen mit Christian Schuller und dem WDR Rundfunkorchester Köln behutsam entstaubt und modernisiert, auf zwei Kassetten zu neuem Leben erweckt.
Elke Heidenreich entführt uns auf eine wunderschöne Kreuzfahrt ins Reich der Klassik. Wie entsteht eine Melodie und was will sie uns sagen? Orchesterinstrumente stellen sich vor. Weshalb galoppiert Rossinis Wilhelm Tell Ouvertüre für Kinderohren wie Musik aus einem Western daher? Wie fein wusste Claude Debussy Wellen, Sturm und Morgenstimmung in La Mer zu instrumentieren. Ravels Bolero, Gershwins "Summertime", auch Wagners berühmter "Tristan-Akkord" werden zart zerlegt -- Note für Note werden die Kids (und wir) durch fast 100 Hörbeispiele vertraut gemacht mit den Stimmungen, die diese großen Musiker zu erzeugen vermochten, bis wir, wie Bernstein es ausdrückte, den "Dreh, die Musik lieben zu lernen", kapiert haben. Schöner geht es nicht mehr. Inszenierung für Kinder, Spieldauer: zirka 100 Minuten, zwei MCs mit Booklet (inklusive Kommentar von Elke Heidenreich). --Ravi Unger

Gut als Ergänzung

3 von 5 Punkten
Die CD ist als Ergänzung zum Buch sehr gut geeignet, da dort die Hörbeispiele vorliegen.

Insgesamt sehe ich die CD nicht so überschwenglich. Die Stimme von Elke Heidenreich ist sehr gut, aber es kommt doch allzu oft ihre leichte Selbstüberheblichkeit zum Ausdruck und man merkt in der Folge, dass Sie eigenmächtig sich zu sehr vom Buch entfernt und ihre eigenen oftmals nicht ser originellen Ideeen versucht unterzubringen. Weiterhin fiel mir negativ auf,dass an einigen Stellen die Buchinhalte komplett falsch widergegeben worden.

Superspitzenkalsse

5 von 5 Punkten
Ein Buch, das "jungen Leuten" die Geheimnisse der Musik verrät, wenn sie denn das Buch lesen oder die CD's hören.
Was da jungen Leuten an Musiktheorie leicht verständlich dargebracht wird, ist sicher auch für 99,9 % der Erwachsenen absolutes Neuland, mir ist das zumindest so gegangen.
Für diese Buch sollte man sich Zeit nehmen und es in Ruhe und mit Muße genießen.
Ich war und bin begeistert

Ein unbedingtes Muss

5 von 5 Punkten
Ein unbedingtes Muss für alle Kids aber auch für Erwachsene, die sich für klassische Musik interessieren. Hier wird man auf wundervolle Weise in die Welt der klassischen Musik entführt und eingeführt. Besonders gelungen: Elke Heidenreich als Sprecherin.

Aus der Amazon.de-Redaktion

Leonard Bernstein war ein Mann voller Überraschungen. Als Dirigent oft der hoffnungslosen Sebstgefälligkeit beschuldigt, sprach er intuitiv auf die klassische Ästhetik Haydns und nicht weniger auf den frühen, romantischen Wagemut Schumanns an. Tatsächlich wurden diese Symphonien niemals besser gespielt, geschweige denn besser dirigiert als hier. Diese Darbietungen sind voller Leidenschaft -- sie sind weder sehr schnell noch sehr langsam -- und von außerordentlicher Farbenfreude und Dramatik. Bernstein hält sich zwar genau an die ursprüngliche, üppige Orchestrierung des Komponisten, es gelingt ihm jedoch, die Wirkung einer jeden Symphonie voll zu entfalten, indem er sie mit gleichbleibender Klarheit und kammermusikähnlicher Balance spielen läßt. Daß dies alles live auf der Bühne geschah, in einer Aufführung von solch großer, emotionaler Bandbreite, ist erstaunlich. Sein Publikum in Erstaunen zu versetzen, beherrschte Bernstein jedoch von jeher am besten. --David Hurwitz

Romantischer Überschwang

5 von 5 Punkten
Obwohl der CD-Markt von Aufnahmen der Schumann'schen Symphonien mehr als übersättigt ist, darf doch Leonard Bernsteins Gesamtaufnahme aus Wien in keiner ernstzunehmenden Klassik-Sammlung fehlen. Sie nimmt praktisch eine Idealposition zwischen Klemperers nüchterner Detaildurchleuchtung und Szells orchestraler Akribie ein. Bernstein war Musik dieser Art quasi wie "auf den Leib geschrieben", schon in den 60er Jahren hatte er für die CBS (heute Sony) mit den New Yorker Philharmonikern eine erste Gesamtschau auf Schumanns symphonisches Wirken unternommen, der eine sehr dichte Zweite mit der Symphony of the Air (DGG, längst vergriffen) in Mono vorausgegangen war.
Der große Dirigent, der leider 1990 viel zu früh von uns gegangen ist, geht Schumanns Schaffen mit romantischem Überschwang und einer unüberhörbaren Liebe an. So herzerfrischend klingen die Werke nirgendwo anders, besonders die doch etwas plakative Dritte ("Rheinische") wird von Bernstein zu einem Meisterwerk von beinahe Beethoven'scher Dimension hochgewuchtet. Auch die Frühlings-Symphonie (Nr. 1) ist unter Bernsteins Dirigat von umwerfender Leuchtkraft und läßt die Aufbruchstimmung, in der das Stück 1841, kurz nach des Komponisten Hochzeit mit Clara Wieck, entstanden ist, an jeder Stelle voll durchscheinen. "Im Tale blüht der Frühling auf": dieses Motto könnte eigentlich über dem gesamten Zyklus stehen. Die Wiener Philharmoniker sind für den Dirigenten ein idealer Klangkörper, man spielt sich förmlich "die Bälle zu", herzerfrischend und beglückend zugleich.
Die Aufnahmen wurden live 1984/85 im Wiener Großen Musikvereinssaal aufgezeichnet. Sie sind von großer Brillanz und Präsenz und lassen kaum erkennen, daß es sich nicht um Studioproduktionen handelt. Gottlob ist der Schlußapplaus weggeschnitten. Das Beiheft ist von hoher Qualität, und der niedrige Preis des Albums steht in keinem Verhältnis zum musikalischen Wert. Ohne Einschränkung empfehlenswert!

Einwandfreie Interpretation

5 von 5 Punkten
Schumanns Sinfonien führen ja doch - zumindest ein wenig - ein Schattendasein. Der Komponist ist hauptsächlich für sein Klavierwerk bekannt, und das völlig zu recht, aber mit den Sinfonien zeigt er, daß er auch diese Gattung beherrscht. Die Ausdrucksstärke der vier Sinfonien reicht fast an Beethoven, den sinfonischen Übervater, heran. Von mitreißendem Schwung und lebendigster Fröhlichkeit ("Frühlingssinfonie") bis hin zu tiefer Emotionalität, die im sinfonischen Genre ihresgleichen sucht, ist das gesamte musikalische Spektrum aufgedeckt. Die Bernsteinsche Interpretation vermag die Intension und Ausdruckskraft der Schumann-Sinfonien sehr gut dem Hörer zu vermitteln. Die Aufnahme ist sehr lebendig und schwungvoll, intensiv, ansprechend. Für alle, die den Schumann ohne Klavier noch nicht kennen, bietet sich hier die Möglichkeit, sich positiv überraschen zu lassen und die den sinfonischen Schumann kennenzulernen. (Dies ist eine Amazon.de an der Uni-Studentenrezension.)

Stunning music

5 von 5 Punkten
Robert Schumann was a German composer of the early nineteenth century. He died young, but not before producing many interesting and stunning works. In his short life, he produced piano works (that for which he is best known, perhaps), choral works, concertos, chamber music, and orchestral works. It is of these latter pieces that these discs are composed:
* Symphony No. 1 in B flat, "Spring", op. 38 (composed in 1841)
* Symphony No. 2 in C, op. 61 (composed in 1846)
* Symphony No. 3 in E flat, "Rhenish", op. 97 (composed in 1850)
* Symphony No. 4 in D minor, op. 120 (first composed in 1841; revised in 1851)
The first and the last symphonies bear some interesting similarities, as one would expect, but the later revisions were significant enough to warrant considering the ordering as above, with the second composed now considered the fourth symphony. For a long time, Schumann seemed to compartmentalise his composition - in 1840, he seemed to concentrate exclusively on 'songs'; in 1841, he wrote two of the four symphonies. Schumann seemed to need to master each type of music before working on another.
The symphonies are each unique. The first symphony, 'Spring', was born in a matter of days, and fully orchestrated within a month. There are definite signs here that a man used to composing for piano is at work. There is romance and humour mixed in for good measure. The second symphony, composed during one of Schumann's troubled periods (he had mis-diagnosed syphillis that complicated his life, as did some of the treatments), was also a quickly inspired and completed piece, but there were gaps of time between his periods of work. There is a slowness and melancholy about this symphony.
The third symphony, 'Rhenish', is easy going and occasionally sweet, but the fourth movement has the majesty of Gothic architecture about it. (Only the first and third symphonies have given subtitles.) The fourth symphony, the one with the longest timeline of composition, is perhaps the most complex, despite being envisioned somewhat as a symphony-in-one-movement.
Schumann was a leading light in the German Romantic movement, and this series of recordings of the Vienna Philharmonic under the conductor Leonard Bernstein is truly remarkable. Bernstein's appreciation and connection with the passion in the music comes through with a keen sensitivity. Schumann was a master of detail as a composer, just as Bernstein was a master of detail as a conductor, so here we have a near perfect pairing.
Schumann's symphonies are underappreciated generally, though there are some who proclaim them as unparalleled in the post-Beethoven world. Both ideas may be a bit wide of the mark, but certainly Schumann is closer to the later than the former.
Brilliant!

Produktbeschreibung

WEST SIDE STORY SONY BROADWAY

Ein wunderschöner, beständiger Klassiker !!

5 von 5 Punkten
Allein einmaliges Hören packt; West Side Story ist mit Abstand das beste Musical mit dem herausragendsten Soundtrack, und steht auch noch heute gegen die meisten "neuen" Musicals als das wirklich Beste da. Wer kennt nicht "America", "Tonight" und natürlich das einmalig schöne "Maria"..
Einmaliges Hören führt zu dauerhaften Ohrwürmern und unbemerktem Summen für Tage - garantiert! Absolut hörenswert!

Ein echter Klassiker

4 von 5 Punkten
Das Musical "West Side Story" des großen Leonard Bernstein ist nach Auffassung vieler Experten das erste "klassische" Werk, das in den Vereinigten Staaten von Amerika geschrieben wurde. Inhaltlich stellt es zwar lediglich eine Variation des Stückes "Romeo und Julia" dar, musikalisch sind alle Stücke aber längst zu echten Klassikern geworden. Wer kennt nicht "America", "One hand, one heart", "Somewhere" und das unvergeßliche "Maria"? Es dauerte nicht lange, bis Bernsteins Musical den Weg nach Hollywood und von dort auf die Kinoleinwände dieser Welt fand. Die vorliegende CD präsentiert die Musikstücke der Kinofassung. Die Aufnahme entstand dementsprechend bereits in den 60er Jahren und ist folglich in vielen Stellen von einem recht deutlich vernehmbaren Rauschen getrübt. Dennoch kann die musikalische Klasse der Stars und des Orchesters den Hörer voll und ganz überzeugen. Die musikalische Qualität dieses einzigartigen Werkes spricht ohnehin für sich. Wegen der technischen Schwächen, die man sicher mit modernen Übertragungsprogrammen hätte reduzieren können, gibt es "nur" vier Sterne. (Dies ist eine Amazon.de an der Uni-Studentenrezension.)

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ADAGIO FOR STRINGS/+

Mit Schwung in die Welt der Klassik

4 von 5 Punkten
Diese entrée Cd beginnt so verführerisch mit der berühmten 'Rhapsody in blue' von George Gershwin, unter anderem bekannt aus der Krombacher-Werbung meistens vor Fussball und Formel-1, dass man Lust auf den Rest bekommt. Bernsteins populäre Melodien von ihm selbst dirigiert sind immer noch am authentischsten. Die Mischung aus europäischem und amerikaníschem Kunstverständnis macht Bersteins Stücke einmalig. Barbers Adagio for Strings, populär geworden als Filmmusik des Anti-Krieg Films 'Platoon' ist immer wieder ergreifend und schafft es auch den nervösen Hörer in seinen Bann zu ziehen und den Puls zu senken. Die CD schliesst mit der rhytmischen Nummer 'Amerika' aus Bernsteins Musical 'West Side Story'. Hier ist auch der letzte Musical-Gegner davon überzeugt, dass es gute Musicals gibt! West Side Story ist bekanntermassen eines der besten!
Alle Stücke sind von Bernstein hervorragend dirigiert - aber wer kann Bernstein besser dirigieren als Bernstein selbst?
Absolute Kaufempfehlung!